2026年 10月 7日 VOL.273
撮影監督ヤヌス・カミンスキーがスティーヴン・スピルバーグ監督のSF大作『ディスクロージャー・デイ』をコダック 35mmフィルムで陰謀スリラーとして描き出す
スティーヴン・スピルバーグ監督のSFスリラー『ディスクロージャー・デイ』で、逃走するエミリー・ブラント（左）とジョシュ・オコナー Photo courtesy of Universal Studios.
スティーヴン・スピルバーグ監督は『ディスクロージャー・デイ』で再び空を見上げます。そして、UFOや地球外生命体は実在するものの脅威ではなく、人類は自分たちが宇宙で決して孤独な存在ではないことを受け入れる準備ができていると、改めて示します。
ニューヨーク・タイムズ紙が、米国防総省がUFO（現在はUAP＝Unidentified Anomalous Phenomena／未確認異常現象と呼ばれるもの）を調査する秘密の軍事情報プログラムに資金を提供していたと報じたことに着想を得て、この伝説的な映画監督はSFアドベンチャーを陰謀スリラーとして描き出しました。米国政府が最近、UAPに関する機密解除された資料を相次いで公開していることを考えれば、『ディスクロージャー・デイ』はまさに今の時代にぴったりの作品と言えるでしょう。
『ディスクロージャー・デイ』の撮影現場にて、スティーヴン・スピルバーグ監督（左）と撮影監督ヤヌス・カミンスキー Photo courtesy of Universal Studios.
実際、本作は『未知との遭遇』の精神的な続編ともいえる作品です。テレビの気象予報士マーガレット（エミリー・ブラント）と、サイバーセキュリティーの内部告発者ダニエル（ジョシュ・オコナー）は、UAPと地球外生命体の存在を証明する秘密の記録ファイルを、謎に包まれた組織ワーデックスから盗み出します。そして、そのファイルを放送で公表するため、一刻を争う闘いを繰り広げます。さらに2人には謎めいたつながりがあり、それによって「共感」という超能力を身につけています。
『ディスクロージャー・デイ』は、スピルバーグ監督と撮影監督ヤヌス・カミンスキー（『シンドラーのリスト』『プライベート・ライアン』でアカデミー賞撮影賞を受賞）の21作目のコラボレーションとなります。2人はともに緻密な照明表現を作り上げ、本作の3分の2をコダック 35mmフィルムで、3分の1をデジタルで撮影しました。
撮影はニューヨークとニュージャージー、そしてブルックリンのステイナー・スタジオで行われました。フィルム撮影では、カミンスキーは愛用のPanavision Panaflex Millennium XLとArri 235カメラを使用し、主要レンズにはPanavision T SeriesアナモフィックレンズとPanavision Primo球面レンズを採用しました。また、愛用する35mmフィルムストックとして、低照度の撮影にはコダック VISION3 500T 5219、昼間や光をコントロールした屋内撮影にはタングステンバランスの200T 5213、デイライトバランスの撮影には250D 5207、明るい日光下では50D 5203を使用しました。
スティーヴン・スピルバーグ監督作『ディスクロージャー・デイ』で、逃走するエミリー・ブラント（左）とジョシュ・オコナー Photo courtesy of Universal Studios.
画面アスペクト比は1:2.39とし、序盤では『コンドル』（1975）のような70年代の陰謀スリラーに見られる地に足のついたリアリズムから、後半に向けて「クラシックなスピルバーグ＝カミンスキー・スタイル」ともいうべき、より強調されたリアリズムへと、意図的に映像表現を変化させています。さらに、マーガレットの子ども時代の寝室で描かれる夢のようなフラッシュバックでは、夜間や屋内の照明を巧みに生かした撮影が行われています。もう一つの見どころが、1947年のロズウェル宇宙船墜落事件から始まる、謎の組織ワーデックスの歴史的なアーカイブ映像です。これらは1940年代、50年代、60年代、70年代の映像として違和感のないものになるよう撮影・処理されました。
カミンスキーは特に、強い感情を伝えるために、さまざまな照明スタイルを探求できたことを気に入っていました。序盤でその好例となるのが、農家の家でダニエルが恋人のジェーン（イヴ・ヒューソン）に、ショッキングなアーカイブ映像を初めてノートパソコンで見せるシーンです。2人は身を寄せ合っており、背後の窓からは太陽の光が差し込み、その一方で下からはノートパソコンの光が2人を照らしています。
カミンスキーは次のように語っています。「色彩も興味深いですね。窓に薄いグリーンのカーテンをかけて、昼間の光を遮りました。光量を減らすことで、2人にはコンピューターの画面がより見えやすくなりました。全員が少し緑がかった青みのある色調になっています。あまり人を魅力的に見せる色ではないので、少し珍しい表現でした。でも、重要なのはそこで示される情報のレベルと、それがジェーンにどれほど大きな衝撃を与えるかということでした」
スティーヴン・スピルバーグ監督作『ディスクロージャー・デイ』より Photo courtesy of Universal Studios.
「そして、ダニエルが到着する直前、彼女が椅子に座って十字架を弄んでいる美しい瞬間があります」と彼は続けます。「とても美しい映像です。でも、デジタルでは決してあれほど美しくはならないでしょう。この作品で私が興味深いと思ったのは、フィルムで撮影した後、そのフィルムをスキャンし、さらにポジもスキャンするというテストを行ったことです。そして、ネガをDI（デジタル・インターメディエイト）チームに渡し、彼らのやり方で処理してもらいましたが、あまり良い仕上がりにはなりませんでした。そこで、ポジに合わせるよう指示しました。それが、私がフィルム用のいわばLUTと呼んでいたものです。そうすることで、フィルム乳剤の持つ画質を維持しました」
一方、ワーデックスのリーダー、スキャンロン（コリン・ファース）とジェーンの間では、不安を掻き立てるようなやり取りが繰り広げられます。スキャンロンは、ハイテクな本部から地球外の装置を使ってジェーンをマインドコントロールしようとします（デジタル撮影）。そのときジェーンは農家のキッチンテーブルに座っています。スキャンロンは実際に、ジェーンの目の前に自分の姿を投影して座り、ジェーンは彼に抵抗しようと十字架を握りしめます。
「外は明るい晴天だったので、窓の外の景色を見せるためには、屋外と屋内の明るさのバランスを取るために、かなり強い光を当てる必要がありました」とカミンスキーは説明します。「同時に、屋内と屋外の明るさを完璧に合わせたときに生まれる、少し人工的な感じも、そのシーンに持たせたかったのです。室内は暗いままですが、人物には明るく光が当たっています」
スティーヴン・スピルバーグ監督作『ディスクロージャー・デイ』より Photo courtesy of Universal Studios.
しかし、最大の挑戦となったのは、アーカイブ映像のために過去の時代を再現することでした。カミンスキーによれば、それは「実際には存在しない出来事を、現実に起きたことのように見せる必要があった」のです。さまざまなフォーマットや映像表現を試す絶好の機会となり、なかでもロズウェルの描写には大きな期待が寄せられていました。
「実際に起きたとしたら、どのように見えるのかという概念を示した非常に曖昧な映像がいくつかあります」とカミンスキーは語ります。「画面を横切って何かが動いたり、テントの向こうから宇宙船の翼が地面から突き出していたり。でも、その宇宙船はどのような姿なのか？ 光はどうなっているのか？ そこに現れる“ゲスト”はどのように見えるのか？ ファンタジーの世界や過去の作品から参考になるものもありますし、どのように見えるべきなのかについてのリサーチもあります。でも、それをどう映像にして、いかにも作り物のように見えないものにするのか、という問題がありました」
ロズウェルの白黒シーンは16mmで撮影した後、映像をあえて少し劣化させ、粒子感を強めることで、より本物らしい質感に仕上げました。「スティーヴンが成し遂げた最大の成果の一つは、こうした映像を観客にとって身近なものとして見せたことだと思います。携帯電話やスクリーン、iPadなど、普段から目にしているデバイスに映し出すことで、自然に受け入れられるものにしたのです」とカミンスキーは付け加えます。
スティーヴン・スピルバーグ監督作『ディスクロージャー・デイ』より Photo courtesy of Universal Studios.
「こうした映像は、劇場の大きなスクリーンで見せることを想定して撮影しました」と彼は続けます。「しかし最終的にスティーヴンが選んだのは、あえて映像を小さく見せることで、より日常的で、現実味があり、観客にとって身近なものにするという方法でした」
一方、アクションの中心となるのが、マーガレットとダニエルが乗った車が貨物列車に高速で引きずられるシーンです。このシーンはまずスピルバーグ監督が完全に絵コンテ化し、その後、ニュージャージー州ケープメイの短距離鉄道と、ステイナー・スタジオのサウンドステージで撮影されました。サウンドステージでの撮影には、ケンタッキー州の鉄道博物館から全長約15m、重量約22.7トンの箱型の貨車を購入し、改造して使用しました。
これは、幼い頃から鉄道をこよなく愛してきたスピルバーグにとって、まさに夢がかなう瞬間でした。鉄道への愛着は、『フェイブルマンズ』でも描かれています。若きスピルバーグは、セシル・B・デミル監督の『地上最大のショウ』に登場する列車衝突シーンに影響を受け、8mmカメラと鉄道模型を使って、自ら列車事故の場面を撮影しました。
スティーヴン・スピルバーグ監督作『ディスクロージャー・デイ』でダニエル・ケルナー博士役のジョシュ・オコナー Photo courtesy of Universal Studios.
「5～6日間に及んだ撮影のほとんどは実写で、CGIはごくわずかしか使っていません」とカミンスキーは振り返ります。「車内での会話シーンもフィルムで撮影しました。ロケでは実際の線路の上に車を停車させています。そこに列車はありません。走り去る列車はCGIですが、列車に向かって押されていく車は実物です。列車に衝突する車も、停車した状態の実物を使いました」
「そして、破壊されようとしている車から逃げ出し、最後尾の車両の上へと登る場面は、列車を停車させた状態で撮影しました。俳優たちは列車に固定され、車も列車につないだ状態にして、火花や土ぼこり、煙など、さまざまな効果を加えました」と彼は付け加えます。
「そして、地面だけを動かしたのです」とカミンスキーは続けます。「スタントコーディネーターのブライアン・マクライトが、まずロケでスタントマンを使って撮影しました。列車は時速約16kmで走行し、その映像をポストプロダクションで加速しました。その後、映像をもとにバックロットでエミリーとジョシュを使い、同じようなショットを再現しました。車を列車につないで、2人が車から脱出して列車の屋根へ向かい、ワイヤーで吊られる場面などを撮影したのです。最後にこれらを組み合わせ、一連のシーンをひとつの映像として仕上げました」
スティーヴン・スピルバーグ監督作『ディスクロージャー・デイ』より Photo courtesy of Universal Studios.
このシーンは現場の自然光を基準に撮影していたため、太陽光を模した光を作る必要がありました。しかし、列車に向かって進む場面では、当然ながら最後尾の車両によって光が遮られてしまいます。「ただ、列車が少しカーブすることが分かっていたので、それに合わせて光の位置を調整できる場面もありました」とカミンスキーは語ります。
カミンスキーにとって『ディスクロージャー・デイ』は、フィルムが芸術的な表現手段として持つ重要性を再認識する作品となりました。「この作品では、『A.I.』のときと同じように、光やフィルム乳剤の選択で、思い切り創造性を発揮することができました」と彼は続けます。「『A.I.』は映像的にも非常に洗練されていた作品で、狙った画を作り出すために、フィルム乳剤についてもかなり突き詰めて試しました」
「今回は照明をさらに突き詰め、スティーヴンとこれまで一緒に作ってきた作品の映像に近づけることを意識しました。さまざまなスタイルを試し、ノワール的なスリラーでは現代的な映画表現を取り入れる一方、クラシックなスピルバーグ作品を思わせる場面では、フレアや明るい光を使った、これまでにも試してきた伝統的なスタイルを用いました。巨大なセットや迫力あるアクションだけでなく、俳優の演技やシーンそのものの力で心を動かされる瞬間もあり、とても素晴らしい経験でした」
『ディスクロージャー・デイ』
（10月1日より全国公開中）
製作年： 2026年
製作国： アメリカ
原 題： Disclosure Day
配 給： 東宝東和
公式サイト： https://disclosureday.jp/